Was ist ein Künstler? Selbstbild und gesellschaftliche Rolle

Künstlersein: Tätigkeit, Selbstverständnis und Anerkennung

Was macht jemanden zum Künstler?

Im Mittelpunkt dieses Artikels steht die bildende Kunst: etwa Malerei, Zeichnung, Druckgrafik und Bildhauerei, später auch Fotografie und weitere künstlerische Verfahren. Um zu verstehen, was Künstlersein bedeutet, hilft es, drei miteinander verbundene Ebenen zu unterscheiden.

Da ist zunächst die künstlerische Tätigkeit. Menschen gestalten Bilder, Formen und Gegenstände, untersuchen Wahrnehmungen oder geben Erfahrungen einen Ausdruck. Dazu gehören praktische Fertigkeiten ebenso wie Entscheidungen: Was soll sichtbar werden? Welche Mittel eignen sich dafür? Was wird verändert, weggelassen oder miteinander verbunden?

Hinzu kommt das Selbstverständnis. Eine Person kann ihre Arbeit als Beruf, als persönliche Aufgabe, als Forschung oder als Beitrag zum gesellschaftlichen Leben begreifen. Dieser Anspruch muss nicht von Anfang an feststehen. Er kann sich durch Ausbildung, Begegnungen, Erfolge und Zweifel verändern.

Die dritte Ebene ist die Anerkennung durch andere. Auftraggeber, Kolleginnen, Sammler, Ausstellungsmacher oder Betrachter nehmen jemanden als Künstler wahr und schreiben seiner Arbeit eine Bedeutung zu. Diese Anerkennung kann groß oder klein, dauerhaft oder vorübergehend sein. Sie kann sich auf ein enges Umfeld beschränken und muss keineswegs mit öffentlichem Ruhm zusammenfallen.

Die drei Ebenen passen nicht immer zusammen. Wer ernsthaft künstlerisch arbeitet, kann kaum Beachtung finden. Wer von seiner Kunst nicht leben kann, hört deshalb nicht auf, Künstler zu sein. Umgekehrt sagen Verkaufserfolg und Bekanntheit noch nicht, wie überzeugend oder bedeutsam ein Werk ist. Künstlerische Tätigkeit, berufliche Existenz und künstlerischer Wert sind miteinander verbunden, aber nicht dasselbe.

Selbstbild und Fremdbild

Zum Selbstbild gehört die Vorstellung, die ein Mensch von seiner eigenen Arbeit und ihren Aufgaben entwickelt. Das Fremdbild entsteht dort, wo andere diese Person beurteilen: als verlässlichen Porträtmaler, eigenwillige Erneuerin, geschätzten Lehrer oder unbequeme Stimme.

Solche Zuschreibungen können helfen, eine Position zu finden. Sie können aber auch einengen. Wer einmal für einen bestimmten Stil bekannt geworden ist, begegnet möglicherweise der Erwartung, genau diesen Stil fortzusetzen. Die eigene Entwicklung und das Bild, das sich das Publikum gemacht hat, geraten dann auseinander.

Selbstporträts machen dieses Verhältnis besonders anschaulich. Kleidung, Haltung, Arbeitsgeräte, Begleitpersonen und Blickrichtung können zeigen, welche Seite des Künstlerseins hervorgehoben wird. Ein Selbstbildnis ist deshalb kein unverstelltes Fenster zur Persönlichkeit. Es ist ein gestaltetes Bild, in dem sich Beobachtung, Selbstbefragung und der Wunsch nach einer bestimmten Wahrnehmung verbinden können.

Die Frage lautet also nicht nur: „Wie war dieser Mensch?“ Ebenso aufschlussreich ist: „Wie stellt er sich hier dar – und an wen richtet sich diese Darstellung?“

Eine gesellschaftliche Rolle im Wandel

Keine einfache Geschichte des Aufstiegs

Die Geschichte des Künstlerseins lässt sich nicht auf eine geradlinige Entwicklung vom namenlosen Handwerker zum freien, gefeierten Schöpfer verkürzen. Eine solche Erzählung vermischt verschiedene Fragen: Wer stellte etwas her? Wie wurde diese Arbeit bewertet? Welche Rechte und Freiräume besaß die Person? Und was ist von ihrem Leben überliefert?

Schon aus dem antiken Griechenland sind namentlich bezeichnete Kunstschaffende bekannt. Eine berühmte Amphora in den Vatikanischen Museen trägt die Signatur des Exekias als Töpfer und Maler. Herstellung und bildnerische Gestaltung werden damit ausdrücklich einer Person zugeordnet. Daraus lässt sich zwar noch kein modernes Künstlerverständnis ableiten. Das Beispiel zeigt aber, dass persönliche Urheberschaft nicht erst mit der Renaissance sichtbar wurde. Vatikanische Museen: die von Exekias signierte Amphora.

Umgekehrt beweist ein Werk ohne überlieferten Namen nicht, dass seine Urheber keine eigenen Vorstellungen besaßen oder in ihrem Umfeld unbekannt waren. Vielleicht fehlen schriftliche Zeugnisse; vielleicht wurde das Werk später aus seinem ursprünglichen Zusammenhang gelöst. Was wir heute wissen, ist nicht mit allem gleichzusetzen, was damals Bedeutung hatte.

Auch Begriffe wie Kunst, Handwerk und Beruf lassen sich nicht unverändert auf jede Epoche übertragen. Die folgenden Beispiele betreffen vor allem europäische Entwicklungen. Sie beschreiben keinen allgemeingültigen Weg, den alle Gesellschaften in derselben Reihenfolge durchlaufen hätten.

Eigene Vorstellungen und Aufgaben für andere

Wer Bilder schafft, arbeitet häufig an Aufgaben, die andere Menschen stellen. Ein religiöses Bild kann der Andacht dienen, ein Herrscherporträt Macht und Würde vermitteln, ein Familienbild Erinnerung bewahren. Solche Zwecke geben der Arbeit einen Rahmen. Innerhalb dieses Rahmens bleiben Entscheidungen über Ausdruck, Aufbau und Wirkung möglich.

Diego Velázquez etwa wurde 1623 Maler am spanischen Hof. Seine Stellung brachte ihn in die Nähe des Königs und bedeutender Kunstsammlungen. Zugleich übernahm er neben der Malerei zunehmend Aufgaben innerhalb des königlichen Haushalts. Sein Ansehen lässt sich deshalb nicht allein als Ruhm eines herausragenden Malers verstehen: Es war auch mit seiner Stellung und seinen Verpflichtungen am Hof verbunden. National Gallery: Diego Velázquez.

An solchen Beispielen wird deutlich, dass Abhängigkeit und Gestaltungsspielraum keine einfachen Gegensätze sind. Ein Auftrag kann Möglichkeiten eröffnen und zugleich Grenzen setzen. Die Zugehörigkeit zu einer angesehenen Institution kann Sicherheit bieten, aber Erwartungen an Themen und Auftreten mit sich bringen.

Entscheidend ist daher nicht nur, ob jemand unabhängig war. Aufschlussreicher ist die Frage, worüber diese Person selbst entscheiden konnte, wem sie verpflichtet war und welche Bedeutung sie ihrer Arbeit innerhalb dieser Beziehungen gab.

Wer als Künstler wahrgenommen und anerkannt wird

Auftraggeber, Institutionen und Publikum

Ob ein Werk Aufmerksamkeit erhält, hängt nicht allein davon ab, was auf seiner Oberfläche zu sehen ist. Es muss auch Menschen erreichen. Dazu braucht es Orte, Kontakte und Möglichkeiten der Vermittlung.

Auftraggeber können eine Arbeit ermöglichen. Ausbildungsstätten vermitteln Kenntnisse und eröffnen Beziehungen. Ausstellungen machen Werke öffentlich sichtbar. Kunstkritik bietet Deutungen an und kann Zustimmung oder Ablehnung verstärken. Sammler und Museen tragen dazu bei, dass Arbeiten erhalten bleiben und später erneut betrachtet werden.

Diese Beteiligten bilden jedoch keine einheitliche Instanz. Was eine Jury zurückweist, kann ein Sammler schätzen. Was Kolleginnen als anregend empfinden, kann ein größeres Publikum zunächst befremden. Auch innerhalb einer Akademie oder eines Museums können unterschiedliche Auffassungen aufeinandertreffen.

Die Frage „Wer entscheidet, was Kunst ist?“ führt deshalb selten zu einem einzigen Namen oder Ort. Anerkennung entsteht aus vielen Urteilen, Begegnungen und Entscheidungen. Dabei ist die Möglichkeit, gehört zu werden, ungleich verteilt.

Wer Zugang erhält – und wer nicht

Die Malerin Adélaïde Labille-Guiard zeigt sich in ihrem Selbstbildnis mit zwei Schülerinnen von 1785 an der Staffelei. Sie hält Pinsel und Palette; hinter ihr stehen zwei junge Frauen. Das Bild präsentiert sie als arbeitende Künstlerin und als Lehrerin, die Kenntnisse weitergibt.

Diese Darstellung gewinnt durch ihren historischen Zusammenhang an Gewicht. Als Labille-Guiard 1783 gemeinsam mit Élisabeth Louise Vigée Le Brun in die französische königliche Kunstakademie aufgenommen wurde, war die Zahl der weiblichen Mitglieder auf vier begrenzt. Ihr zwei Jahre später im Pariser Salon ausgestelltes Selbstporträt lässt sich deshalb auch als Anspruch auf einen größeren Platz für Frauen im Kunstleben verstehen. So ordnet es das Metropolitan Museum of Art ein. The Met: Selbstbildnis mit zwei Schülerinnen.

Das Beispiel zeigt, weshalb die Frage nach Künstlersein nicht bei Begabung und Willenskraft stehen bleiben darf. Wer kann Unterricht erhalten, Zeit zum Arbeiten aufbringen und eine Werkstatt oder ein Atelier nutzen? Wer findet Unterstützung? Wessen Arbeit wird als ernsthafter Beruf betrachtet und wessen Tätigkeit als bloßer Zeitvertreib abgewertet?

Geschlecht, finanzielle Mittel, Herkunft und persönliche Beziehungen können solche Möglichkeiten beeinflussen. Das mindert nicht die Leistung derjenigen, die Anerkennung erreichen. Es macht vielmehr sichtbar, unter welchen Bedingungen Leistungen entstehen und wahrgenommen werden.

Anerkennung ist kein endgültiges Urteil

Auch die Kunstgeschichte selbst ist an der Verteilung von Aufmerksamkeit beteiligt. Welche Werke ausgestellt, erforscht, abgebildet und im Unterricht besprochen werden, prägt unsere Vorstellung davon, wer wichtig war.

Deshalb lohnt es sich, Bekanntheit und Bedeutung auseinanderzuhalten. Fehlender Ruhm beweist keine fehlende Qualität. Ebenso wenig ist jede Ablehnung ein Zeichen dafür, dass ein verkanntes Genie seiner Zeit voraus war. Beides müsste am konkreten Werk und seinem Zusammenhang untersucht werden.

Eine offene Kunstbetrachtung fragt daher sowohl nach den sichtbaren Leistungen als auch nach den Bedingungen ihrer Überlieferung: Warum begegnet uns dieses Werk immer wieder? Und welche anderen Arbeiten kennen wir bislang kaum?

Was sich mit der Moderne verändert

Künstler bestimmen ihre Aufgabe neu

In der europäischen Kunst des 19. und frühen 20. Jahrhunderts tritt der Anspruch auf eine selbst gewählte künstlerische Position vielfach besonders deutlich hervor. Künstlerinnen und Künstler wollen nicht nur Aufgaben erfüllen, sondern auch mitbestimmen, welche Themen, Formen und Fragen überhaupt öffentlich Beachtung verdienen.

Gustave Courbet machte diesen Anspruch in seinem 1854/55 entstandenen Gemälde Das Atelier des Künstlers anschaulich. Er stellt sich selbst beim Malen in die Mitte einer großen, figurenreichen Szene. Menschen aus unterschiedlichen gesellschaftlichen Zusammenhängen, Freunde und Unterstützer umgeben ihn. Das Atelier erscheint damit als ein Ort, an dem sich Kunst und Gesellschaft begegnen. Der Maler beansprucht eine vermittelnde Stellung zwischen beiden.

Als das Gemälde für die Pariser Weltausstellung von 1855 abgelehnt wurde, zeigte Courbet es in einer eigenen Ausstellung, dem Pavillon du Réalisme. Zum Anspruch auf eine eigene künstlerische Haltung kam also der Versuch, auch über deren öffentliche Präsentation zu bestimmen. Musée d’Orsay: Das Atelier des Künstlers.

Daraus entstand keine einheitliche Aufgabe für die moderne Kunst. Die eigene Wahrnehmung untersuchen, innere Erfahrungen ausdrücken, gesellschaftliche Verhältnisse kritisieren oder den Alltag mitgestalten: Solche Ziele konnten nebeneinander bestehen und einander widersprechen. Auch die Entscheidung, sich auf die Möglichkeiten von Farbe, Form und Material zu konzentrieren, war eine künstlerische Position.

Muss ein Künstler sein Werk selbst herstellen?

Wie weit sich die Frage nach der künstlerischen Tätigkeit öffnen konnte, zeigt Marcel Duchamp. 1917 wurde in seinem Umfeld ein industriell gefertigtes Urinal mit dem Titel Fountain und der Signatur „R. Mutt“ für eine Ausstellung der Society of Independent Artists in New York eingereicht. Die Veranstalter ließen es nicht zur Präsentation zu. Der Vorgang löste eine Auseinandersetzung darüber aus, ob ein solcher Gegenstand als Kunst gelten könne. Philadelphia Museum of Art: Marcel Duchamp and the Fountain Scandal.

Das Entscheidende war nicht die handwerkliche Herstellung des Gegenstands durch den Künstler. Zur Diskussion standen vielmehr Auswahl, Benennung und die Versetzung in einen anderen Zusammenhang. Mit solchen Readymades wurde die künstlerische Entscheidung selbst zum Thema.

Damit war weder jede handwerkliche Fertigkeit bedeutungslos geworden noch jeder beliebige Gegenstand automatisch ein überzeugendes Kunstwerk. Aber eine vertraute Gleichung geriet ins Wanken: Künstlerische Urheberschaft musste sich nicht allein darin zeigen, dass jemand ein Objekt mit eigenen Händen ausführte. Für das Verständnis eines Werkes konnten Idee und Präsentation ebenso entscheidend werden.

Freiheit bleibt mit Abhängigkeiten verbunden

Eine eigene Position zu vertreten bedeutet noch nicht, sie unter selbst gewählten Bedingungen verwirklichen zu können. Wer ohne festen Auftrag arbeitet, benötigt weiterhin Material, Räume und Zeit. Wer seine Werke öffentlich zeigen möchte, ist auf Ausstellungsgelegenheiten, Vermittler und ein erreichbares Publikum angewiesen. Größere Entscheidungsfreiheit kann deshalb mit wirtschaftlicher Unsicherheit zusammenfallen.

Auch politisch ist Freiheit keine dauerhaft gesicherte Errungenschaft. Käthe Kollwitz wurde 1919 Mitglied der Preußischen Akademie der Künste. 1933 erzwangen die Nationalsozialisten ihren Austritt, nachdem sie einen Aufruf gegen den Nationalsozialismus mitunterzeichnet hatte. Dieselbe Institution, die ihr öffentliche Anerkennung verliehen hatte, konnte ihr unter veränderten Machtverhältnissen keinen verlässlichen Schutz bieten. Akademie der Künste: Käthe Kollwitz.

Kollwitz verband ihre Arbeit mit dem Wunsch, auf gesellschaftliche Not aufmerksam zu machen und in ihrer Zeit zu wirken. Künstlerische Eigenständigkeit musste für sie also nicht bedeuten, sich von der Gesellschaft zurückzuziehen. Sie konnte gerade darin liegen, aus eigener Überzeugung Verantwortung zu übernehmen.

Die Moderne bringt deshalb nicht den einen freien Künstler hervor. Sie erweitert und verschärft den Streit darüber, welche Aufgaben Kunst haben kann, wer über sie bestimmt und unter welchen Bedingungen sie entsteht.

Ein anderer Blick auf Kunstschaffende

Für die Betrachtung eines Werkes ist das eine hilfreiche Verschiebung. Statt zuerst nach einem außergewöhnlichen Charakter oder einer dramatischen Lebensgeschichte zu suchen, können wir genauer fragen: Welche Aufgabe stellt sich diese Person? Mit welchen Mitteln arbeitet sie? Für wen entsteht das Werk? Und welche Freiheiten oder Begrenzungen werden darin spürbar?

Ein Selbstporträt, ein Auftragsbild oder ein scheinbar alltäglicher Gegenstand kann darauf sehr unterschiedliche Antworten geben. Dabei bleibt das Werk mehr als ein Beleg für eine Biografie: Seine Gestaltung kann Erwartungen bestätigen, verändern oder auch dem widersprechen, was sein Urheber über sich selbst sagte.

Künstlersein lässt sich so als ein Verhältnis zwischen Arbeit, eigenem Anspruch und gesellschaftlichen Bedingungen verstehen. Keine dieser Ebenen erklärt für sich allein das Ganze. Gerade ihr Zusammenspiel macht sichtbar, warum die Frage „Was ist ein Künstler?“ eine Geschichte hat – und weshalb sie mit der Moderne neue Dringlichkeit gewinnt.