Die Nazarener – Gemeinschaft, religiöse Erneuerung und Wirkung

Warum junge Künstler 1809 einen eigenen Bund gründeten

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts bestimmten Kunstakademien maßgeblich, wie angehende Künstler ausgebildet wurden. Sie legten fest, welche Vorbilder studiert, welche Themen als bedeutend angesehen und welche Regeln bei Zeichnung, Komposition und Figurenbildung beachtet werden sollten. Die Akademien boten eine gründliche Ausbildung und konnten den Weg zu Aufträgen und Anerkennung öffnen. Gleichzeitig empfanden manche Schüler den Unterricht als starr und routiniert.

Zu diesen unzufriedenen Studenten gehörten Friedrich Overbeck und Franz Pforr. Gemeinsam mit befreundeten Kommilitonen suchten sie nach einer Kunst, die nicht allein korrekt und virtuos, sondern innerlich wahr, moralisch ernst und religiös getragen sein sollte. Sie wandten sich gegen eine Ausbildung, die ihrer Wahrnehmung nach vor allem eingeübte Formen wiederholte.

Ihre Kritik bedeutete jedoch nicht, dass sie auf handwerkliches Können verzichten wollten. Im Gegenteil: Die jungen Künstler studierten ältere Werke aufmerksam und bemühten sich um sorgfältige Zeichnungen, klare Bildordnungen und kontrollierte Maltechniken. Sie lehnten also nicht das Lernen an Vorbildern ab. Sie wählten lediglich andere Vorbilder als viele ihrer akademischen Lehrer.

Besonders wichtig wurden ihnen die Kunst Albrecht Dürers, die sogenannte altdeutsche Malerei und italienische Künstler des 15. und frühen 16. Jahrhunderts. In diesen Werken glaubten sie eine Verbindung von Einfachheit, handwerklicher Aufrichtigkeit und religiöser Überzeugung zu erkennen. Ihre Vorstellung von der Vergangenheit war dabei stark idealisiert: Das Mittelalter und die frühe Renaissance erschienen ihnen als Zeiten, in denen Kunst, Glaube und Gemeinschaft noch eine Einheit gebildet hätten.

1809 gab sich der Freundeskreis den Namen „Lukasbund“. Der Evangelist Lukas galt traditionell als Schutzpatron der Maler und hatte bereits mittelalterlichen Malergilden ihren Namen gegeben. Mit dieser Bezeichnung grenzten sich die Studenten von der modernen Akademie ab und bekannten sich zugleich zu ihrem Ideal einer brüderlich verbundenen Künstlergemeinschaft.

Der Bund gab ihnen einen eigenen sozialen und geistigen Rahmen. Freundschaft, Gespräche, Briefe, gemeinsame Studien, Lebensregeln und symbolische Bilder gehörten ebenso dazu wie die praktische Arbeit. Kunst sollte nicht nur ein Beruf sein, sondern Ausdruck einer gemeinsam gewählten Haltung zum Leben. Das Freie Deutsche Hochstift beschreibt deshalb den Lukasbund ausdrücklich als einen ästhetischen Lebensentwurf, der sich in Korrespondenzen, Erzählungen, einem Bundesbrief, Regeln und Arbeitsplänen zeigte. Freies Deutsches Hochstift

Begriff erklärt: Kunstakademie

Eine Kunstakademie ist eine staatliche oder private Hochschule für die Ausbildung von Künstlerinnen und Künstlern. Im 18. und 19. Jahrhundert vermittelten Akademien nicht nur Techniken. Sie prägten auch, welche Kunst als vorbildlich galt und welche Themen besonderes Ansehen genossen. Wer sich gegen akademische Regeln stellte, kritisierte deshalb zugleich ein einflussreiches System der Kunstwelt.

Der Lukasbund war noch keine Sezession im späteren institutionellen Sinn. Er besaß weder ein eigenes Ausstellungsgebäude noch eine dauerhaft organisierte Gegeninstitution, wie sie gegen Ende des 19. Jahrhunderts in München, Wien oder Berlin entstanden. Dennoch zeigt sich hier bereits ein entscheidender Gedanke: Künstler können sich zusammenschließen, um unabhängig von bestehenden Einrichtungen eigene Maßstäbe zu entwickeln.

Gemeinschaft, Glaube und künstlerischer Lebensentwurf

1810 verließen mehrere Lukasbrüder Wien und gingen nach Rom. Die Stadt war ein internationales Zentrum der Kunst. Dort konnten sie Werke der Antike, der Renaissance und des Mittelalters unmittelbar studieren. Rom bot ihnen zugleich Abstand von der Wiener Akademie und die Möglichkeit, ihr Gemeinschaftsideal im Alltag zu erproben.

Mehrere Künstler bezogen Räume im ehemaligen Kloster Sant’Isidoro. Sie lebten vergleichsweise einfach, zeichneten, lasen, diskutierten und arbeiteten in enger Nähe zueinander. Das Kloster war kein dauerhaftes Zuhause aller später als Nazarener bezeichneten Künstler. Für die Anfangszeit wurde es jedoch zu einem symbolischen Ort: Hier verbanden sich gemeinsames Leben, religiöse Suche und künstlerische Arbeit.

Auch ihr äußeres Erscheinungsbild fiel auf. Lange Haare, schlichte Kleidung und eine bewusst altertümlich wirkende Lebensweise erinnerten Zeitgenossen an Darstellungen biblischer Gestalten. Daraus entwickelte sich die Bezeichnung „Nazarener“. Sie war zunächst spöttisch gemeint und bezog sich auf Jesus von Nazareth beziehungsweise auf das Aussehen, das man mit ihm verband. Spätestens seit 1817 ist der Name für die Künstlergruppe nachweisbar. Mit der Zeit verlor er seinen rein abwertenden Klang und wurde zur kunsthistorischen Sammelbezeichnung. Alte Nationalgalerie

Religion spielte für die Gemeinschaft eine zentrale Rolle. Die Künstler wollten christliche Themen nicht lediglich als traditionelle Aufträge behandeln. Das Bild sollte aus persönlicher Überzeugung entstehen und den Glauben glaubwürdig vermitteln. Einige Mitglieder traten zum Katholizismus über, andere gingen religiös und biografisch andere Wege. Deshalb wäre es zu einfach, die Nazarener als einheitliche katholische Bruderschaft zu beschreiben.

Ebenso wenig besaßen sie einen einzigen verbindlichen Stil. Was sie zunächst zusammenführte, war vor allem ein gemeinsames Ziel: Sie wollten Kunst moralisch und geistig erneuern. Dabei entstanden persönliche Unterschiede. Overbeck, Pforr, Cornelius, Veit oder Schnorr von Carolsfeld setzten eigene Schwerpunkte und entwickelten unterschiedliche Formen des Erzählens und Gestaltens.

Die enge Anfangsgemeinschaft bestand nur wenige Jahre. Franz Pforr starb bereits 1812, und nicht alle Künstler blieben dauerhaft in Sant’Isidoro. Dennoch wuchs der Kreis in Rom. Neue Künstler kamen hinzu, Freundschaften und Kontakte entstanden, Aufträge wurden vermittelt. Aus der kleinen Bruderschaft entwickelte sich ein bewegliches Netzwerk.

Gerade darin lag eine Stärke der Nazarener: Ihre Gemeinschaft hing nicht allein an einem Gebäude oder an einer festen Mitgliederliste. Sie verbreitete sich durch persönliche Beziehungen, Reisen, Briefe, gemeinsame Projekte und später durch Lehrämter. Die National Gallery beschreibt den Lukasbund als Ausgangspunkt einer Gruppe, der sich in Rom weitere Künstler anschlossen und die besonders die Wiederbelebung der Freskomalerei anstrebte. National Gallery

Begriff erklärt: Fresko

Bei einem echten Fresko werden Farben auf den noch feuchten Kalkputz einer Wand aufgetragen. Während der Putz trocknet, verbindet sich die Farbe mit dem Untergrund. Die Technik verlangt genaue Planung, weil jeweils nur die frisch verputzte Fläche eines Arbeitstages bemalt werden kann. Für die Nazarener war das Fresko besonders reizvoll, weil es an große Gemeinschaftswerke des Mittelalters und der Renaissance erinnerte.

Wer zu den Nazarenern gehörte

Die Frage nach den Mitgliedern klingt einfacher, als sie ist. Beim Lukasbund lassen sich ein enger Gründungskreis und frühe Regeln erkennen. Der spätere Begriff „Nazarener“ bezeichnet dagegen sowohl ein römisches Künstlernetzwerk als auch eine Kunstrichtung, die weit über die ursprüngliche Gemeinschaft hinausreichte.

Selbst Museen ordnen einzelne Personen unterschiedlich ein. Das liegt nicht unbedingt an fehlerhaften Angaben, sondern an der lockeren Entwicklung des Bundes: Manche Künstler waren an der Gründung beteiligt, manche lebten zeitweise mit der Gemeinschaft, andere arbeiteten an gemeinsamen Projekten oder übernahmen später ihre Ideen.

Eine moderne Mitgliederkartei, in der sich jede Person eindeutig als „Mitglied“ oder „Nichtmitglied“ einordnen ließe, gab es für die gesamte Bewegung nicht. Deshalb ist es sinnvoll, zwischen Gründungsmitgliedern, später Hinzugekommenen, zeitweiligen Weggefährten, Unterstützern und Künstlern im nazarenischen Stil zu unterscheiden. Die digitale Sammlung des Städel Museums macht diese verschiedenen Rollen sichtbar und führt neben Gründungsmitgliedern und Mitgliedern auch einen Förderer gesondert auf. Städel Museum

Auch Frauen gehören zu einer vollständigen Geschichte des Umfelds. Der Lukasbund verstand sich ausdrücklich als männliche Bruderschaft, und Frauen hatten zu Beginn des 19. Jahrhunderts keinen gleichberechtigten Zugang zur akademischen Ausbildung und zu Künstlernetzwerken. Das bedeutet jedoch nicht, dass nazarenische Kunst ausschließlich von Männern geschaffen oder vermittelt wurde. Die Malerin Marie Ellenrieder wird beispielsweise mit dem Lukasbund und der nazarenischen Richtung in Verbindung gebracht. Frauen wirkten außerdem als Künstlerinnen, Auftraggeberinnen, Familienmitglieder, Gastgeberinnen und Vermittlerinnen. Ihre jeweiligen Rollen müssen genauer untersucht werden, statt sie pauschal dem engeren Bund zuzurechnen.

Für das Verständnis der Nazarener ist diese Unterscheidung entscheidend: Die ursprüngliche Gruppe war klein, die spätere Wirkung dagegen groß. „Nazarener“ wurde schließlich weniger zu einer eindeutigen Mitgliedsbezeichnung als zu einem Namen für miteinander verwandte Vorstellungen von Kunst.

Wie ihre Kunst wirkte – und warum sie zur Moderne gehört

Nazarenische Werke lassen sich nicht auf eine einzige Form reduzieren. Dennoch begegnen dir häufig einige wiederkehrende Merkmale: deutlich geführte Konturen, übersichtlich geordnete Figurengruppen, ruhige Gesten, idealisierte Gesichter und klar voneinander abgegrenzte Farben. Viele Bilder erzählen religiöse, historische oder literarische Geschichten. Häufig erinnern Körperhaltungen, Gewänder und Bildaufbau bewusst an ältere Kunst.

Diese Rückgriffe waren keine unbeholfenen Kopien. Die Künstler wählten ihre Vorbilder gezielt aus und verbanden sie mit eigenen Vorstellungen. Auch Materialien und Maltechniken der alten Meister wurden untersucht. Forschungen der Alten Nationalgalerie zeigen, dass die Beschäftigung der Nazarener mit früherer Kunst nicht bei Bildideen endete, sondern bis zu Malgrund, Farbauftrag und technischem Aufbau reichen konnte. Alte Nationalgalerie

Gemeinsam an der Wand

Besonders sichtbar wurde ihr Programm in zwei römischen Freskenprojekten. In der Casa Bartholdy gestalteten mehrere Künstler 1816 und 1817 gemeinsam einen Raum mit Szenen aus der biblischen Geschichte Josefs. Die Aufteilung des Zyklus auf verschiedene Maler verband individuelle Handschriften mit einem gemeinsamen Gesamtwerk.

Wenig später folgte die Ausmalung des Casino Massimo. Dort entstanden bis zum Ende der 1820er-Jahre Bildfolgen nach Werken von Dante, Ariost und Tasso. Die religiösen Maler beschäftigten sich also nicht nur mit der Bibel, sondern auch mit bedeutender italienischer Literatur. Beide Projekte verschafften dem Kreis öffentliche Anerkennung und trugen dazu bei, die monumentale Wandmalerei im 19. Jahrhundert neu zu beleben.

Von der Gegenbewegung zur Institution

Mehrere Nazarener kehrten später in die deutschsprachigen Länder zurück und übernahmen einflussreiche Aufgaben. Peter Cornelius wirkte in München, Wilhelm von Schadow in Düsseldorf und weitere Künstler lehrten oder arbeiteten in wichtigen Kunstzentren. Damit entstand ein bemerkenswerter Wandel: Aus ehemaligen Kritikern der akademischen Ausbildung wurden selbst Professoren und Akademiedirektoren.

Ihre Vorstellungen prägten zeitweise die religiöse und historische Malerei des 19. Jahrhunderts. Kirchenfresken, Altarbilder, Zeichnungen, Druckgrafiken und Buchillustrationen verbreiteten nazarenische Bildformen weit über den ursprünglichen römischen Kreis hinaus. Das Clemens Sels Museum beschreibt ihren Einfluss auf die Akademien in München, Düsseldorf und Berlin als besonders stark. Clemens Sels Museum Neuss

Auch außerhalb des deutschsprachigen Raums wurden ihre Ideen wahrgenommen. Die 1848 in England gegründeten Präraffaeliten teilten mit ihnen die Hochschätzung mittelalterlicher und vorraffaelischer Kunst sowie die Kritik an erstarrten akademischen Regeln. Die englische Gruppe entwickelte daraus eine eigene, deutlich anders aussehende Kunst. Dennoch betrachteten die Präraffaeliten die Nazarener mit besonderem Interesse und Respekt. National Gallery

Rückwärtsgewandt und trotzdem modern?

Wenn „modern“ nur bedeutet, neue Formen zu erfinden oder mit Traditionen zu brechen, erscheinen die Nazarener kaum modern. Sie suchten religiöse Gewissheit, idealisierten vergangene Epochen und vertraten zum Teil konservative sowie nationalromantische Vorstellungen. Ihre Kunst richtete sich nicht auf das Großstadtleben, die Industrie oder die technischen Neuerungen des 19. Jahrhunderts.

Der Weg in die Moderne besteht jedoch nicht nur aus stilistischen Neuerungen. Er verändert auch die gesellschaftliche Rolle von Künstlerinnen und Künstlern. Unter diesem Blickwinkel werden die Nazarener wichtig:

• Sie organisierten sich aus eigener Initiative außerhalb der gewohnten akademischen Ordnung.
• Sie entwickelten eine gemeinsame Identität und ein erkennbares Programm.
• Sie verbanden künstlerische Arbeit mit einem bewusst gewählten Lebensentwurf.
• Sie nutzten Freundschaften, Reisen, Briefe und Aufträge als internationales Netzwerk.
• Sie zeigten, dass auch der bewusste Rückgriff auf Geschichte eine Antwort auf die Gegenwart sein kann.

Die Nazarener stehen deshalb für eine Grundspannung der Moderne: Erneuerung muss nicht immer wie Zukunft aussehen. Manchmal entsteht etwas Neues gerade durch die bewusste Auswahl und Umdeutung der Vergangenheit.

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