Édouard Manet – Das Frühstück im Grünen

Wie ein zurückgewiesenes Gemälde die Regeln des Salons sichtbar machte

Zwei vollständig bekleidete Männer sitzen im Wald neben einer unbekleideten Frau. Während die Männer miteinander zu sprechen scheinen, richtet die Frau ihren Blick aus dem Bild heraus. Im Hintergrund beugt sich eine zweite Frau über das Wasser. Ein umgekippter Korb, Früchte und abgelegte Kleidungsstücke lassen an ein Picknick denken – und doch fügt sich die Szene zu keiner eindeutigen Geschichte.

Heute gehört Édouard Manets Das Frühstück im Grünen zu den bekanntesten Bildern des 19. Jahrhunderts. Seine damalige Wirkung lässt sich deshalb leicht unterschätzen. Im Jahr 1863 wies die Jury des Pariser Salons das Gemälde zurück. Erst im Salon des Refusés, der Ausstellung der Abgelehnten, begegnete es einem großen Publikum und wurde zum Gegenstand von Spott und heftiger Kritik.

Der Skandal entstand nicht allein deshalb, weil Manet eine nackte Frau malte. Weibliche Akte gehörten längst zum anerkannten Repertoire der Kunst. Verstörend war vielmehr die Art, wie das Bild unterschiedliche Erwartungen durchkreuzte: Ein aus älteren Meisterwerken bekanntes Figurenmotiv erscheint als gegenwärtige Begegnung; die Nacktheit besitzt keine eindeutige mythologische Begründung; der Blick der Frau weicht dem Publikum nicht aus; und auch die Malweise verweigert an vielen Stellen die gewohnte Illusion eines vollkommen geschlossenen Bildraums.

Gerade deshalb eignet sich das Werk besonders gut für den Artikel „Salon, Skandal und eigene Ausstellungen: Wie neue Kunst sichtbar wird“. Seine Geschichte zeigt, wie eine institutionelle Ablehnung durch eine alternative Ausstellung öffentlich überprüfbar wurde – und wie aus dieser Sichtbarkeit ein Kunstskandal entstehen konnte.

Werkdaten

• Künstler: Édouard Manet
• Titel: Das Frühstück im Grünen
• Originaltitel: Le Déjeuner sur l’herbe
• Titel im Salon des Refusés: Le Bain
• Weiterer überlieferter Titel: La Partie carrée
• Entstehungsjahr: 1863
• Technik: Öl auf Leinwand
• Maße: 207 × 265 cm
• Sammlung: Musée d’Orsay, Paris
• Inventarnummer: RF 1668

Das Musée d’Orsay führt das Werk mit dem Entstehungsjahr 1863 und weist neben dem heutigen Titel auch die Bezeichnungen Le Bain und La Partie carrée aus. Manet zeigte es im Salon des Refusés unter dem Titel Le Bain, „Das Bad“. Musée d’Orsay

Ein Picknick, das keine eindeutige Geschichte erzählt

Vier Figuren in verschiedenen Wirklichkeiten

Die drei Figuren im Vordergrund bilden eine geschlossene Gruppe und wirken dennoch voneinander getrennt. Die beiden Männer tragen dunkle zeitgenössische Kleidung. Einer sitzt beinahe frontal mit angewinkeltem Bein, der andere liegt seitlich im Gras und hebt eine Hand, als würde er ein Argument erläutern. Ihre Aufmerksamkeit scheint dem Gespräch zu gelten.

Zwischen ihnen sitzt eine vollständig unbekleidete Frau. Sie wendet sich nicht den Männern zu, sondern blickt direkt aus dem Bild heraus. Ihr Körper ist hell beleuchtet und hebt sich deutlich von der dunkleren Umgebung ab. Diese Helligkeit macht sie zum optischen Mittelpunkt, obwohl die beiden Männer mehr Raum einnehmen und ihre Körper die Frau teilweise rahmen.

Die Frau wird gewöhnlich als Victorine Meurent identifiziert, die für mehrere bedeutende Bilder Manets Modell stand. Die beiden Männer werden mit Personen aus Manets persönlichem Umfeld verbunden, vor allem mit Ferdinand Leenhoff, dem Bruder seiner späteren Frau Suzanne, sowie einem oder beiden Brüdern des Malers. Die genaue Zuordnung wird nicht in allen Darstellungen gleich angegeben. Für das Verständnis des Bildes ist jedoch ebenso wichtig, dass Manet keine erkennbare private Begebenheit erzählt. Die Figuren erscheinen individualisiert, aber ihre Beziehungen bleiben offen.

Im Hintergrund befindet sich eine zweite Frau im Wasser. Sie beugt sich nach vorn, vielleicht um etwas aufzuheben oder ihre Füße zu waschen. Obwohl sie räumlich weit hinter der Vordergrundgruppe liegen müsste, erscheint sie auffallend groß. Dadurch wirkt sie weniger wie eine natürlich in die Tiefe gesetzte Figur als wie ein eigenständiges Bildelement, das hinter die Gruppe geschoben wurde.

Abgelegte Kleidung und ein umgekippter Korb

Im Vordergrund liegen blaue und helle Stoffe auf dem Boden. Daneben sind ein Korb, Früchte und weitere Bestandteile der Mahlzeit zu erkennen. Diese Dinge verleihen der Szene eine alltägliche, beinahe beiläufige Wirklichkeit. Sie zeigen, dass die unbekleidete Frau nicht als zeitlose Naturgestalt gedacht ist. Ihre Kleidung liegt unmittelbar neben ihr; sie hat sie abgelegt.

Gerade dieses Detail unterscheidet die Figur von einer mythologischen Venus oder einer Nymphe. Eine Göttin benötigt innerhalb der Bildtradition keine Erklärung für ihre Nacktheit. Bei einer erkennbar gegenwärtigen Frau zwischen bekleideten Männern stellt sich dagegen sofort die Frage, warum sie nackt ist und welche Beziehung zwischen den Personen besteht.

Der Stilllebenbereich zeigt zugleich Manets malerisches Können. Stoffe, Früchte, Brot und Korb bieten unterschiedliche Oberflächen und Farben. Doch auch hier entsteht keine lückenlose Erzählung. Die verstreuten Dinge wirken wie Hinweise, die eine Geschichte versprechen, ohne sie abschließend zu erklären.

Ein Raum, der sich nicht zuverlässig ordnen lässt

Der Wald bildet keine gleichmäßig ausgearbeitete natürliche Umgebung. Einige Blätter, Äste und Lichtflecken sind deutlich gesetzt, andere Partien bleiben summarisch und flächig. Die räumlichen Übergänge zwischen Vordergrund, Wasser und Hintergrund wirken sprunghaft.

Besonders die badende Frau bringt die Perspektive aus dem Gleichgewicht. Gemessen an ihrer vermeintlichen Entfernung ist sie zu groß. Auch die Vordergrundgruppe scheint nicht vollkommen in den Waldboden eingebunden zu sein. Die Figuren wirken beinahe wie sorgfältig angeordnete Körper vor einer Kulisse.

Für damalige Betrachter konnte dies wie ein Mangel an überzeugender Modellierung und räumlicher Tiefe erscheinen. Aus heutiger Sicht lässt sich darin eine bewusste Spannung erkennen: Das Bild zeigt einen Wald, erinnert dich aber zugleich daran, dass dieser Wald aus Farbe auf einer ebenen Leinwand besteht.

Alte Meister in moderner Kleidung

Eine Komposition mit kunsthistorischem Gedächtnis

Manet erfand die Anordnung der drei Hauptfiguren nicht ohne Vorbilder. Das Musée d’Orsay verweist auf zwei ältere Werke, die er kannte. Das damals Giorgione, heute meist Tizian zugeschriebene Ländliche Konzert lieferte das Grundmotiv unbekleideter Frauen in Gesellschaft bekleideter Männer. Die konkrete Haltung der Vordergrundgruppe geht auf einen Kupferstich Marcantonio Raimondis nach Raffaels Urteil des Paris zurück. Musée d’Orsay

Im Stich befinden sich drei männliche Flussgötter am Rand einer mythologischen Szene. Manet übernimmt ihre Gruppierung, dreht ihre Bedeutung jedoch grundlegend um. Aus antiken Figuren werden moderne Pariser. An die Stelle einer klar bezeichneten Mythologie tritt eine Begegnung, deren Anlass ungewiss bleibt.

Auch das Ländliche Konzert bot eine kulturell abgesicherte Verbindung von nackten und bekleideten Körpern. Seine Frauen lassen sich als Musen oder allegorische Gestalten deuten. Sie gehören damit einer anderen Wirklichkeitsebene an als die musizierenden Männer. Manets unbekleidete Frau besitzt eine solche eindeutige Sonderrolle nicht. Sie sitzt mit den Männern im selben Gras und blickt den realen Betrachter an.

Die Tradition wird nicht verworfen, sondern verschoben

Manet war kein Künstler, der die ältere Kunst einfach hinter sich lassen wollte. Er studierte Werke im Louvre, setzte sich mit spanischer, venezianischer und niederländischer Malerei auseinander und bezog sich immer wieder auf bekannte Kompositionen. Seine Modernität entstand häufig gerade aus diesem Umgang mit der Tradition.

In Das Frühstück im Grünen verwendet er die Autorität anerkannter Meister, entfernt aber die kulturellen Erklärungen, durch die ihre Motive als angemessen galten. Die vertraute Komposition bleibt erhalten, während Mythologie, Allegorie und historische Distanz verschwinden. Dadurch werden die Regeln sichtbar, die sonst unbemerkt bestimmten, welche Nacktheit in einem öffentlichen Kunstwerk akzeptabel erschien.

Das Bild richtet sich daher nicht schlicht gegen die Kunstgeschichte. Es bringt verschiedene Zeiten miteinander in Konflikt. Eine alte Bildform trifft auf moderne Kleidung, eine traditionelle Aktdarstellung auf eine Frau, die wie eine Zeitgenossin erscheint, und ein vertrautes Figurenarrangement auf eine Erzählung, die sich nicht auflösen lässt.

Warum der Blick der Frau so entscheidend ist

Die unbekleidete Frau wird betrachtet, doch sie verhält sich nicht so, als bemerke sie diesen Blick nicht. Ihr Gesicht ist frontal zum Publikum gerichtet. Sie wirkt weder überrascht noch beschämt und senkt die Augen nicht. Damit entsteht eine direkte Beziehung zwischen ihr und dem Menschen vor dem Bild.

Dieser Blick löst die widersprüchliche Situation nicht auf. Er verschärft sie. Die Frau bleibt als nackter Körper ausgestellt, gewinnt aber zugleich eine Form von Gegenwart und Aufmerksamkeit. Sie erscheint nicht ausschließlich als passives Objekt innerhalb einer abgeschlossenen Szene. Ihr Blick macht den Betrachter seiner eigenen Rolle bewusst.

Gerade darin liegt eine Stärke des Gemäldes für die Bildinterpretation. Es erlaubt keine ganz einfache Zuordnung von Macht und Passivität. Der Körper der Frau ist öffentlich sichtbar und gegenüber den bekleideten Männern verletzlich. Gleichzeitig ist sie die einzige Figur, die die Grenze zwischen Bild und Betrachterraum deutlich überschreitet.

Von der Zurückweisung zum öffentlichen Skandal

Der Salon von 1863 sagt Nein

Manet reichte das Gemälde beim offiziellen Pariser Salon ein. Damit stellte er sich zunächst dem üblichen Verfahren und suchte die große Öffentlichkeit dieser Ausstellung. Die Jury lehnte das Bild jedoch ab. Es blieb nicht bei diesem einzelnen Urteil: Im Jahr 1863 wurden ungefähr 3.000 der rund 5.000 eingereichten Werke zurückgewiesen.

Die Proteste der Künstler erreichten schließlich Napoleon III. Er ließ eine zusätzliche Ausstellung der abgelehnten Arbeiten zu, den Salon des Refusés. Das Publikum sollte die zurückgewiesenen Werke sehen und sich selbst ein Urteil bilden können. Diese Schau war keine vollständig unabhängige Künstlerausstellung, sondern eine staatlich eingerichtete Ergänzung zum offiziellen Salon.

Manets Gemälde wurde dort unter dem Titel Le Bain gezeigt und entwickelte sich zu einer Hauptattraktion. Besucher lachten, Kritiker griffen es an, und die Auseinandersetzung zog weitere Neugierige an. Eine Entscheidung, die das Bild zunächst aus der offiziellen Ausstellung ausschloss, führte auf einem Umweg zu außergewöhnlicher Sichtbarkeit. Musée d’Orsay

Ablehnung und Skandal sind zwei verschiedene Vorgänge

Die Geschichte des Bildes hilft, zwei häufig vermischte Begriffe auseinanderzuhalten. Die Zurückweisung war die Entscheidung der Salonjury. Der Skandal entstand erst durch die Reaktionen auf das öffentlich ausgestellte Werk. Ohne den Salon des Refusés hätte die Juryentscheidung das Bild möglicherweise zunächst unsichtbar gemacht.

Auch der Skandal war kein einheitliches Urteil aller Besucher. Manche verspotteten das Werk, andere verteidigten Manet oder erkannten zumindest seine kunsthistorischen Bezüge. Wieder andere kamen gerade wegen der öffentlichen Erregung. Was wir als „den Skandal“ bezeichnen, bestand in Wirklichkeit aus vielen unterschiedlichen Reaktionen, die sich gegenseitig verstärkten.

Das Bild wurde dadurch bekannt, aber Bekanntheit war noch keine gesicherte Anerkennung. Spott konnte einen Künstler ebenso verletzen und wirtschaftlich gefährden wie berühmt machen. Dass Das Frühstück im Grünen heute im Musée d’Orsay hängt und als Schlüsselwerk der Moderne gilt, war 1863 keineswegs absehbar.

Nicht nur das Motiv, auch die Malweise irritierte

Der ungewöhnliche Inhalt war nur ein Teil des Konflikts. Das Musée d’Orsay hebt hervor, dass auch Manets Malweise Anstoß erregte. Harte Gegensätze von Licht und Schatten ersetzen weiche Übergänge. Einzelne Partien wirken breit und sichtbar gemalt, während sich die Figuren nicht vollkommen mit dem Waldraum verbinden.

Akademische Erwartungen verlangten häufig eine sorgfältige Modellierung, überzeugende Tiefenwirkung und eine Oberfläche, die den Vorgang des Malens möglichst vergessen ließ. Manet führt dagegen immer wieder die Fläche, die Pinselarbeit und die Konstruktion des Bildes vor Augen. Das Gemälde will etwas darstellen, verbirgt aber nicht vollständig, dass diese Darstellung gemalt ist.

Genau diese Verbindung war besonders folgenreich: Manet verletzte nicht nur Erwartungen an ein angemessenes Thema. Er stellte ebenso infrage, wie ein vollendetes Gemälde auszusehen hatte.

Eine Bildinterpretation zwischen Blick, Körper und Öffentlichkeit

Beginne mit dem Sichtbaren

Bevor du nach dem Skandal fragst, solltest du das Bild zunächst ohne Wertung beschreiben. Vier Menschen befinden sich in einer bewaldeten Landschaft. Drei bilden im Vordergrund eine Gruppe: zwei bekleidete Männer und eine unbekleidete Frau. Eine zweite, nur leicht bekleidete Frau hält sich weiter hinten am Wasser auf. Abgelegte Kleidung und Lebensmittel liegen vorn im Gras.

Danach kannst du die formalen Beziehungen untersuchen. Der helle Körper der Frau hebt sich vom dunklen Wald ab. Die drei Vordergrundfiguren bilden eine kompakte Dreiecksform. Der Hintergrund öffnet sich zwar zur hellen Wasserfläche, doch die Größenverhältnisse erzeugen keine überzeugende räumliche Entfernung.

Erst im nächsten Schritt beginnt die Deutung: Warum trennt Manet die Blickrichtungen? Warum ist die Frau nackt, während die Männer bekleidet bleiben? Weshalb zitiert er eine alte Komposition und versetzt sie in eine scheinbar gegenwärtige Umgebung?

Vier Figuren, aber keine gemeinsame Blickwelt

Die Personen teilen denselben Bildraum, nehmen aber nicht dieselbe Situation wahr. Die Männer scheinen miteinander zu sprechen. Die Frau im Hintergrund ist mit dem Wasser beschäftigt. Nur die unbekleidete Frau richtet ihre Aufmerksamkeit auf den Betrachter.

Dadurch fehlt ein eindeutiges erzählerisches Zentrum. Wir erfahren nicht, was zuvor geschehen ist, worüber die Männer reden oder wie die Personen zueinanderstehen. Manet gibt genügend Hinweise, um Fragen entstehen zu lassen, aber zu wenige, um eine abgeschlossene Handlung daraus zu bilden.

Diese Offenheit ist kein bloßes Rätsel, für das irgendwo eine einzige richtige Lösung verborgen liegt. Sie ist Teil der Bildwirkung. Der Betrachter muss mit der Unsicherheit leben und bemerkt dabei die eigenen Erwartungen: Möchtest du aus der unbekleideten Frau unbedingt eine mythologische Figur, eine Prostituierte, ein Modell oder eine Teilnehmerin eines privaten Ausflugs machen? Welche Annahmen bringst du selbst an das Bild heran?

Der Betrachter wird in den Konflikt einbezogen

Der direkte Blick der Frau macht eine rein distanzierte Betrachtung schwierig. Sie scheint zu wissen, dass sie gesehen wird. Das Publikum steht dadurch nicht unsichtbar außerhalb der Szene, sondern wird zu einem angesprochenen Gegenüber.

Diese Wirkung war im Salon des Refusés besonders stark. Das monumentale Gemälde hing nicht in einem privaten Raum, sondern vor einer großen, gemischten Öffentlichkeit. Seine dargestellte Blickbeziehung und seine tatsächliche Ausstellungssituation verstärkten einander: Die gemalte Frau sah aus dem Bild heraus, während zahlreiche reale Besucher vor ihr standen und über ihre Nacktheit urteilten.

Der Skandal gehört daher nicht allein zum Motiv. Er entsteht im Dreieck zwischen Werk, Ausstellungsort und Publikum. Genau das macht Das Frühstück im Grünen zu einem so passenden Beispiel für die Frage, wie moderne Kunst sichtbar wurde.

Warum das Bild als Wegmarke der Moderne gilt

Gegenwart ohne beruhigende Erklärung

Manet stellte eine Situation dar, die zugleich alltäglich und unwirklich erscheint. Moderne Kleidung und Picknickutensilien holen das Geschehen in seine Gegenwart. Die kunsthistorische Komposition und die räumlichen Brüche entziehen ihm jedoch die Eindeutigkeit einer gewöhnlichen Alltagsszene.

Der Betrachter erhält keine allegorische Anleitung, mit der sich alle Elemente erklären lassen. Das Bild bleibt offen, widersprüchlich und in gewisser Weise unbequem. Diese Uneindeutigkeit wird zu einem Teil seines modernen Charakters.

Die Bildfläche tritt neben die dargestellte Welt

Traditionelle Malerei konnte eine Leinwand wie ein Fenster erscheinen lassen, durch das du in einen überzeugenden Raum blickst. Manet gibt diese Wirkung nicht vollständig auf, stört sie aber immer wieder. Die zu groß wirkende Badende, die harten Hell-Dunkel-Gegensätze und die unterschiedlich stark ausgearbeiteten Partien lenken den Blick zurück auf die gemachte Bildfläche.

Spätere Künstler sollten diese Spannung weiterentwickeln. Bei den Impressionisten, bei Paul Cézanne und in vielen Richtungen des 20. Jahrhunderts wurde die sichtbare Eigenständigkeit von Farbe, Fläche und Pinselstrich immer wichtiger. Manets Werk steht an einem Punkt, an dem Darstellung und malerische Oberfläche gleichzeitig Aufmerksamkeit beanspruchen.

Kein einzelner Skandal erfindet die Moderne

Es wäre dennoch zu einfach, Das Frühstück im Grünen zum plötzlichen Beginn aller modernen Kunst zu erklären. Manet arbeitete mit älteren Vorbildern, suchte weiterhin die Anerkennung des offiziellen Salons und gehörte keiner geschlossenen revolutionären Bewegung an. Auch vor ihm hatten Künstler Regeln verändert und Konflikte mit Institutionen ausgetragen.

Die Bedeutung des Werkes liegt vielmehr darin, dass sich in ihm mehrere Veränderungen bündeln: die Auseinandersetzung mit der Tradition, die Gegenwart als Bildproblem, eine sichtbar eigenständige Malweise, ein aktiver Betrachterblick und eine neue Form öffentlicher Kontroverse.

Seine Modernität befindet sich daher nicht nur auf der Leinwand. Sie entsteht ebenso in der Geschichte seiner Ablehnung, seiner alternativen Ausstellung und seiner späteren Neubewertung.

Fragen, mit denen du das Bild selbst weiter untersuchen kannst

1. Welche Figur bemerkst du zuerst, und wodurch wird dein Blick auf sie gelenkt?
2. Wie verändert sich die Szene, wenn du den direkten Blick der unbekleideten Frau erwiderst?
3. Welche Hinweise sprechen für ein alltägliches Picknick – und welche lassen die Situation unwirklich erscheinen?
4. Wie sind die drei Vordergrundfiguren miteinander verbunden, obwohl ihre Aufmerksamkeit auseinandergeht?
5. Warum wirkt die badende Frau im Hintergrund ungewöhnlich groß?
6. Welche Unterschiede erkennst du zwischen sorgfältig ausgearbeiteten und nur angedeuteten Bildpartien?
7. Was verändert Manet, indem er eine aus der älteren Kunst bekannte Komposition mit zeitgenössischen Figuren besetzt?
8. Würde das Bild anders wirken, wenn die Frau als Venus oder Nymphe bezeichnet wäre?
9. Welche Rolle spielst du selbst als betrachtete Person gegenüber dem Blick aus dem Gemälde?
10. Welche Aspekte des damaligen Skandals kannst du aus dem Bild erschließen – und für welche benötigst du historische Quellen?

Kurz zusammengefasst

• Manet malte Das Frühstück im Grünen 1863 und reichte es beim offiziellen Pariser Salon ein.
• Nach der Ablehnung durch die Jury wurde das Werk unter dem Titel Le Bain im Salon des Refusés gezeigt.
• Der öffentliche Skandal ist von der vorherigen institutionellen Zurückweisung zu unterscheiden.
• Nicht die Nacktheit allein irritierte, sondern ihre Verbindung mit zeitgenössisch gekleideten Männern und einer ungeklärten Situation.
• Manet griff auf Tizians Ländliches Konzert und einen Kupferstich nach Raffaels Urteil des Paris zurück.
• Harte Kontraste, sichtbare Pinselarbeit und ein unstimmig wirkender Bildraum widersprachen akademischen Erwartungen.
• Der direkte Blick der Frau macht den Betrachter zu einem bewussten Teil der Bildbeziehung.
• Das Werk verbindet künstlerische Tradition, moderne Gegenwart und öffentliche Kontroverse.
• Seine spätere Berühmtheit war im Augenblick des Skandals keineswegs sicher.

Häufige Fragen zu Manets Gemälde

Warum wurde Das Frühstück im Grünen abgelehnt?

Ein ausführliches Protokoll, das eine einzige verbindliche Begründung der Jury nennt, steht nicht im Mittelpunkt der Überlieferung. Das Bild widersprach jedoch mehreren geltenden Erwartungen: Eine offenbar zeitgenössische unbekleidete Frau sitzt ohne mythologische Erklärung zwischen bekleideten Männern, während Malweise und räumliche Gestaltung nicht dem akademischen Ideal entsprachen.

War Nacktheit im Pariser Salon verboten?

Nein. Nackte Körper waren in mythologischen, allegorischen und historischen Darstellungen verbreitet. Der Anstoß lag gerade darin, dass Manets Frau nicht eindeutig als Göttin oder andere zeitlose Kunstfigur erkennbar war. Moderne Kleidung und abgelegte Alltagsgegenstände rückten ihre Nacktheit in die Gegenwart.

War der Salon des Refusés eine unabhängige Ausstellung?

Nein. Napoleon III. ließ ihn 1863 als gesonderte Präsentation der vom offiziellen Salon abgelehnten Werke einrichten. Das Publikum erhielt dadurch zwar eine Alternative zur Auswahl der Jury, doch die Ausstellung blieb aus dem staatlichen Salonverfahren hervorgegangen.

Wer ist die unbekleidete Frau im Vordergrund?

Sie wird als Victorine Meurent identifiziert, die wiederholt für Manet Modell stand. Ihre Rolle im Bild sollte dennoch nicht einfach mit ihrer wirklichen Biografie gleichgesetzt werden. Eine dargestellte Figur ist immer das Ergebnis künstlerischer Gestaltung.

Gehört Manet zu den Impressionisten?

Manet stand mehreren späteren Impressionisten persönlich und künstlerisch nahe und war für sie von großer Bedeutung. An ihren acht unabhängigen Gruppenausstellungen nahm er jedoch nicht teil. Er hielt am offiziellen Salon als wichtiger Öffentlichkeit fest.

Wurde Manet durch den Skandal sofort anerkannt?

Nein. Das Gemälde machte seinen Namen bekannter, brachte ihm aber heftigen Spott und Ablehnung ein. Sein heutiger Rang entstand erst durch weitere Ausstellungen, Unterstützer, Sammler, Museen und die langfristige kunsthistorische Auseinandersetzung.