Johann Friedrich Overbeck – Die Auferweckung des Lazarus

Was ist auf dem Gemälde zu sehen?

Christus bildet die aufrechte Mitte der Komposition. Er trägt ein rötliches Gewand und einen dunklen blauen Mantel. Ein heller Nimbus hebt seinen Kopf deutlich von der Landschaft im Hintergrund ab. Seine Hände weisen in unterschiedliche Richtungen und verbinden die Menschen zu beiden Seiten miteinander.

Vor Christus liegt Lazarus auf dem Boden. Teile seines Körpers sind noch von weißen Grabtüchern bedeckt. Er hebt den Oberkörper an und blickt zu Christus empor. Seine Bewegung wirkt langsam und tastend. Overbeck zeigt ihn nicht als bereits vollständig wiederhergestellten Menschen, sondern im Übergang zwischen Tod und neuem Leben.

Um die beiden Hauptfiguren versammeln sich zahlreiche Zeugen. Einige knien, andere beugen sich vor oder reagieren mit erhobenen Händen. Die unterschiedlichen Gesten zeigen Staunen, Glauben, Nachdenklichkeit und Ergriffenheit. Rechts wenden sich mehrere Frauen dem Auferweckten zu. Unter ihnen befinden sich Maria und Martha, die Schwestern des Lazarus.

Am äußersten linken Bildrand stehen zwei junge Männer mit porträthaften Gesichtszügen. Es handelt sich um Johann Friedrich Overbeck und Franz Pforr. Ihre Anwesenheit durchbricht die historische Entfernung der biblischen Erzählung: Die beiden jungen Künstler erscheinen, als hätten sie das Wunder selbst miterlebt.

Wie lenkt Overbeck den Blick?

Die aufrechte Gestalt Christi bildet die zentrale Achse des Bildes. Von ihr führen Blicke, Hände und Körperbewegungen zu Lazarus und weiter zu den umstehenden Personen. Die Gesten funktionieren beinahe wie sichtbare Verbindungslinien.

Obwohl viele Figuren dargestellt sind, wirkt die Komposition nicht ungeordnet. Die Personen bilden eine breite, nahezu friesartige Gruppe. Die räumliche Tiefe tritt gegenüber den klaren Umrissen und der übersichtlichen Figurenordnung zurück.

Auch die Landschaft unterstützt die Wirkung. Links öffnet sich der Blick in eine ruhige, helle Ferne. Rechts schließen Felsen und Grabstätte den Bildraum ab. Daraus lässt sich ein Gegensatz zwischen Öffnung und Begrenzung, Leben und Tod entwickeln – auch wenn diese Bedeutung nicht zwingend festgelegt ist.

Die Farben sind deutlich voneinander abgegrenzt. Rot, Blau, Grün, Braun und Weiß verleihen den Figuren individuelle Akzente, ohne die ruhige Gesamtwirkung aufzulösen. Besonders der dunkle Mantel Christi hebt die zentrale Gestalt aus der umstehenden Gruppe heraus.

Ein religiöses Bild wird zum Freundschaftsbild

Overbeck malte das Bild während seiner Wiener Akademiezeit im freundschaftlichen Wettstreit mit Franz Pforr. Beide beschäftigten sich außerhalb des regulären Unterrichts mit eigenen Kompositionsaufgaben. Sie wollten nicht nur technische Fertigkeiten erwerben, sondern herausfinden, welche Aufgaben Kunst erfüllen sollte.

Indem Overbeck sich und Pforr unter die Zeugen des Wunders aufnahm, verlieh er ihrer Freundschaft eine religiöse Bedeutung. Die beiden betrachten die biblische Geschichte nicht aus sicherer zeitlicher Entfernung. Sie bezeugen ihre Wahrheit innerhalb des Bildes.

Auch die eng miteinander verbundenen Frauen auf der rechten Seite besitzen eine weiterführende Bedeutung. Nach Angaben des Museums nehmen sie bereits die späteren weiblichen Idealfiguren vorweg, die bei Overbeck und Pforr als Sulamith und Maria erscheinen sollten.

Overbeck maß dem Gemälde große persönliche Bedeutung bei. In einem Brief an seine Eltern bezeichnete er es als seinen „Erstgeborenen“. Das Museum Behnhaus Drägerhaus sieht in dem Bild seinen künstlerischen Durchbruch zum religiösen Maler.

Alte Vorbilder für eine neue Kunst

Overbeck orientierte sich deutlich an Raffael und an der älteren italienischen Malerei. Er übernahm jedoch kein einzelnes Werk. Ihn interessierten vor allem die klare Figurenordnung, die ruhige Erzählweise und die Verbindung von Schönheit und religiöser Aussage.

Damit wandte sich Overbeck nicht grundsätzlich gegen alles, was er an der Akademie gelernt hatte. Seine sorgfältige Zeichnung, die übersichtliche Komposition und die genau aufeinander abgestimmten Gesten zeigen eine gründliche akademische Ausbildung. Er verwendete diese Fähigkeiten jedoch für ein anderes Kunstverständnis.

Aus seiner Sicht sollte Kunst nicht nur formale Regeln beherrschen oder antike Vorbilder wiederholen. Sie sollte aus innerer Überzeugung entstehen und eine geistige Aufgabe erfüllen. Das Bild verbindet deshalb akademisches Können mit dem Wunsch nach einer religiösen und moralischen Erneuerung der Kunst.

Vom privaten Experiment zum Lukasbund

Als Overbeck das Gemälde 1808 malte, bestand der Lukasbund noch nicht. Erst 1809 schlossen sich Overbeck, Pforr und weitere junge Künstler zu einer festen Gemeinschaft zusammen. Sie entwickelten ein romantisches Kunstprogramm, das sich gegen die vorherrschende klassizistische Auffassung an der Wiener Akademie richtete.

Die Auferweckung des Lazarus zeigt somit einen wichtigen Übergang. Die neuen Ideen waren zunächst in Freundschaften, Gesprächen und gemeinsam gestellten Aufgaben entstanden. Aus dieser privaten Zusammenarbeit entwickelte sich später eine organisierte Künstlergemeinschaft.

1810 verließen Overbeck, Pforr und zwei weitere Lukasbrüder Wien und gingen nach Rom. Aus dem kleinen Freundeskreis wurde eine Künstlergruppe, die später als Nazarener bekannt wurde. Überbecks Wiener Gemälde macht sichtbar, dass dieser Aufbruch nicht erst mit der Reise begann. Seine künstlerischen Grundlagen waren bereits zuvor gelegt worden. Bayerische Staatsgemäldesammlungen

Warum gehört das Werk zum Weg in die Moderne?

Auf den ersten Blick erscheint das Gemälde rückwärtsgewandt. Overbeck orientierte sich an Raffael, an religiösen Bildthemen und an der Kunst früherer Jahrhunderte. Trotzdem gehört das Werk zur Vorgeschichte der modernen Kunst.

Modern ist hier nicht in erster Linie die Malweise. Entscheidend ist das veränderte Selbstverständnis des Künstlers. Overbeck und seine Freunde wollten selbst bestimmen, welchen Vorbildern sie folgten, welche Themen sie behandelten und welche Bedeutung Kunst für sie besitzen sollte.

Sie gründeten eine eigene Gemeinschaft, formulierten gemeinsame Werte und stellten der etablierten Ausbildung ein alternatives Kunstverständnis gegenüber. Diese bewusste Selbstorganisation begegnet später bei vielen Künstlergruppen und Sezessionen erneut.

Das Gemälde verdeutlicht daher einen wichtigen Widerspruch: Der Weg in die Moderne konnte auch über die bewusste Rückkehr zu älteren Vorbildern führen. Entscheidend war, dass Künstler Tradition nun auswählten, deuteten und gegen die Erwartungen ihrer Gegenwart einsetzten.